当代城市的气质，往往不是在规划图纸上长出来的，而是在一次次真实的相遇里被重新点亮。

2024 年盛夏的佛山粤剧院，人们因为同一个命题聚在一起——当代艺术如何激活文旅商业，重构城市格调。

从荒原到街区，从壁画到公共空间，从内容生产到城市运营，每位分享者都带着自己的实践与伤痕，也带着重新出发的勇气。他们的故事像一束束不同方向的光，照向同一个问题：在变化如此迅猛的时代，城市还能靠什么留住人、打动人、改变人。

在这场长达四个多小时的对话里，艺术不再是被高举的标签，而是被拆解、被质问、被重新理解的力量。它可能是乔小刀口中的破局偏方，是文那的故事线，是蔡蔡的在地关系，是刁勇的小房子实验，是刘梓舟的场景记忆，也是水晶与胡馨不断试探的城市未来。

每一个观点都在提醒我们：城市的竞争，最终比的是内容、是体验、是人与地方之间能否建立起新的连接。

荒野之国创始人乔小刀分享了自己多年摸索出的“兵法偏方”。在他看来，很多创业都是从“不可能”开始：没钱、没人、没时间，却想把一个梦想变成现实，靠的不是复制成功经验，而是找到自己的打法。

刀哥说做任何项目，都要先画一张“作战地图”。城市、人脉、资源、经历，都是手上的素材，关键是如何重新排列组合。“先整理，再出发。”知道自己有什么、缺什么，才能找到下一步的方向。

他特别强调“贼眼”。“不是所有机会都摆在明面上，真正的机会，往往藏在别人忽略的地方。”创业者既要看行业空白，也要看清合作伙伴背后的关系和风险。

在他看来，成功案例没有想象中那么有用，“马云怎么做、王健林怎么做，跟你有什么关系？”真正值得研究的，是一个项目为什么失败，现金流在哪里断裂，哪个环节出了问题。

谈到坚持，乔小刀提出“善变的坚持”。坚持不是一条路走到底，而是在变化中调整方向。他以“荒野之国”为例，曾用7年时间沉下心研究建筑、空间和运营，只围绕一个目标不断迭代。

他还提到，今天的文旅竞争，本质是内容竞争。一个项目要找到自己的“美人计”，把独特价值放大，让更多人看见。而传统文化中，也藏着当代文旅的答案。《桃花源记》《小石潭记》里的山水意境，依然可以成为今天产品创造的灵感。

不要只想着成为明星，

要努力成为寿星。

乔小刀认为，真正的竞争力，是持续学习、持续行动，在时间里等待下一次机会。

艺术家文那常说，2019年西伯利亚荒原小镇的那座空舞台给了她一个“面具”。在无人之境，一个突如其来的角色贴上脸，让她必须直面世界的冷冽，也成为她人生的分水岭。

真正改变她的，是更早的2010年。初到景德镇，她第一次把壁画画上墙，那面墙让她获得新的媒介，也让她走向世界。十年间，她以为壁画带她远行，后来才明白，它把她带进了文旅，让她从艺术家变成文旅参与者。

壁画的核心是故事。第一次在三宝，她凭直觉写下“束海”，用泥与水的关系构想出一片可被掌心捧住的海。多年后再回望，那是陶瓷语言的隐喻，是拉坯、上釉、烧制的诗意版本。她把日常工艺转化成神话，让壁画成为故事的证据。

又一个十年，她来到泉州。不同于过去的“画完就走”，她在这里停留了四年，把一个老宅变成《藏海厝》，为闽南文化编织了21位神明，从织海女神到花兽，把厚重的历史抽丝剥茧成一个完整的旅途。她说，真正的收获是找到能一起耗时间的伙伴——木雕团队。

谈到AI，她坦言自己常常累到身体撑不住，但AI让创作者能更长寿。

它不是入侵，而是加入；

不是替代，而是共生。

只要人类仍有想象，AI就只是工具，而不是答案。

从《藏海厝》到《妙喵喵》，再到景德镇的“束海祠”，她用时间换来空间，用故事换来世界。她相信，只要日复一日地创作、想象、出发，变化都会成为顺势而为的力量。

A4国际驻留艺术中心艺术总监，首席策展人蔡蔡在A4已经工作了 16 年，这段时间里，她始终围着同一个核心打转——让创作者真正进入城市，与在地的人和资源发生真实的连接。

她说，艺术机构的日常，就是陪伴创作者生活、处理困境、把好内容推到更大的世界；而来到文旅论坛，她把视角换成：内容平台如何与文旅对话？

她的主线很清晰：艺术如何持续生成人与城市之间的新关系。A4 的方法是驻留，让创作者在社区生活、在城市空间里工作，通过交流、多学科合作、社区参与与商业协同，让内容自然长出来。

过去 15 年，A4 与大量艺术家合作，他们的故事与城市发生了真实连接。虽然外界常以为 A4 服务中产，但他们从一开始就扎根社区，只是这些在地工作常常不被看见。直到与 CPI 等商业平台合作，艺术才被更多非艺术圈的人认识。

她强调的不是艺术的“功能”，而是艺术的“关系”。艺术若只作为文旅的装饰品，就无法产生真正的创意。她举例驻留艺术家在成都两个月，把遇到的 21 位朋友画进公共空间；也有艺术家在社区扮演“顽童”，与居民一起堆肥、巡游、做公益。这些项目让艺术与公众共同决定作品，而不是封闭的专家系统。

与 CPI 的合作是一场集中释放：一年时间完成 146 件新作品，公共装置、户外活动、品牌协作，让艺术在公园商业中被看见。她特别提到与巴西组合 Atelie Vivo 的 628 平方米公共作品，是多方协作的成果，也是艺术与环境深度连接的例子。

最后，她把一句话留给所有做内容的人：

艺术是城市持续生产

新故事的能力。

她期待更多平台支持创作者进入城市现场，创造更有人情味、更有专业度、更有故事性的内容。

不是美术馆创始人刁勇介绍“不是美术馆”时，总会指着那个孩子画的小房子——简单、随性，却成了他们所有项目的起点。他希望这间小房子能去任何地方：菜市场、胡同、沙漠、长城、商业中心，甚至厕所，让艺术不再被白盒子限制，而是与日常生活混在一起。

“不是美术馆”做两件事：一是与各大品牌合作，把艺术变成事件、装置、节日；二是做各种试验性的项目，让素人、小朋友、老人都成为创作者。他们办儿童艺术展，把孩子的涂鸦做成立体布偶；把小房子放进胡同，变成卖水果的小卖铺；在菜市场与摊主合作，把账单、火鸡、X光片、塞尚的苹果都变成展品；甚至把厕所改造成艺术公厕，让村超的观众在江边看到十几种不同造型的“迷你卫生间”。

小房子里塞满了这些项目的边角料：同事的涂鸦、朋友的草台书法、奇思妙想的发明装置、诗歌乐园的互动作品……它像一个移动的仓库，装着所有不被传统美术馆接纳的创意。

刁勇说，

美术馆服务艺术家，

“不是美术馆”服务所有人。

小朋友、匠人、摊主、普通人，他们的创作同样值得被看见。他希望这间小房子继续漂流，在更多地方落地，把艺术带到人群中。

A4X艺术中心馆长刘梓舟常年在城市、商业与艺术之间跑动。他说，在效率被技术推到极致的时代，人和人真正的连接反而更稀缺，而艺术恰好能重新点亮这些场景。

他在文旅项目里看到一个普遍现象：活动很多，却难留下记忆；空间很热，却越来越像彼此；流量来得快，也散得快。于是他们尝试用艺术解决三个关键点：

让一个地方有自己的审美、

让人留下情绪记忆、

让内容能持续更新。

在他的经验里，艺术不是装饰，而是项目的能力。它能让一个地方从“像别处”变成“只有这里有”；能让游客留下精神层面的体验，而不是一张打卡照；能让空间形成长期的内容系统，而不是一次性的热闹。

A4X 的做法，是把艺术从美术馆带到城市，把专业语境与公共审美打通。他们在成都、重庆、武汉、海口建立不同尺度的艺术空间，也把艺术放进公园、商业街区，让创作者走进日常，与人群发生真实关系。

他们与艺术家的合作不是简单陈列作品，而是让艺术成为空间的内容、用户的体验、项目的长期运营。他们也把一次性的展览变成长期内容，让艺术成为项目的“常驻能力”，而不是开幕当天的热闹。

在艺术节策展人，沉浸式演出《交易人生》艺术顾问水晶看来，AI时代真正稀缺的，恰恰是无法被算法复制的现场体验。“越是AI发展迅速，越需要人与人面对面交流、共同感受的艺术。”

她分享了多年探索公共空间艺术的案例。2017年，上海新天地没有剧场、没有美术馆，却通过街区、建筑与艺术作品的结合，打造了“表演艺术新天地”。来自世界各地的作品进入城市日常，让原本普通的空间拥有了新的记忆。

她曾在英国蒂斯河畔斯托克顿看到，当地并非旅游目的地，却坚持举办国际河岸艺术节。“他们说，我们不是为了吸引游客，而是要让生活在这里的人看到最好的艺术。”这句话让她意识到，

艺术对于城市的价值，

不只是商业和流量，

更是在人的心里留下长久影响。

从街区艺术到深圳明华轮沉浸式演出，水晶始终关注“场所与人的关系”。她认为，一个作品真正改变的，不只是空间本身，而是人们对一座城市的记忆。

“也许未来某一天，一个孩子会因为一次艺术体验，走向更大的世界。”她引用作家珍妮特·温森森的话说，艺术最大的意义，是即使人没有离开原地，也能获得通往世界的可能。

心湖文旅创始人、前麓湖系列文旅项目核心操盘手胡馨以成都麓客岛的5年实践，回答了一个问题：当空间不再稀缺，城市如何持续创造吸引力。

她回顾，麓客岛最初是麓湖的生活方式展示窗口，拥有马术、冲浪、皮划艇等高端业态，但本质仍服务于地产。随着地产逻辑变化，麓客岛必须找到独立生存的能力。

2020年，她重新定位麓客岛：从营销工具转向城市微度假目的地。没有大量资金投入，她选择用内容撬动空间，通过花园星空电影、花朝节、音乐活动等高频内容，让城市重新发现这座岛。

流量起来之后，麓客岛开始用产品承接体验。从动物农场、落日悬崖餐厅，到玩水店、研学营地、水上俱乐部，传统业态被重新改造，融入当代生活方式。

创新不是凭空创造，

而是让旧产品适应新的生活。

面对客流增长后的管理难题，麓客岛通过预约、门票机制完成从流量增长到流量筛选的转变。门票不是门槛，而是筛选愿意为体验付费的人。

经过多年运营，麓客岛客流从17万人次增长至260万人次，并实现盈利。“内容是敲门砖，产品是护城河。”在胡馨看来，未来的城市竞争，不只是比空间，更是在比能否创造一种让人与城市重新连接的生活方式。

圆桌对话中，围绕“艺术与文旅的关系”，嘉宾们展开了一场关于审美、商业与城市未来的讨论。

刘梓舟认为，艺术并不是适用于所有文旅项目的“万能答案”。它究竟是加分项还是基础设施，取决于项目定位、目标客群和实际需求。

有些项目需要艺术塑造差异化，有些项目则更需要解决运营和产品本身的问题，关键在于找到匹配的方式。

文那则提出，艺术不应该被单独从文旅中拎出来讨论。

真正成熟的审美，

应当融入日常生活之中。

从空间设计到公共环境，从民宿细节到城市气质，艺术本就是生活的一部分。当大众拥有更高的审美需求，艺术才会成为一种自然发生的力量，而非刻意添加的标签。

水晶进一步强调，在未来，艺术可能成为人与城市竞争中的核心价值。尤其在AI时代，当技术不断替代人的部分能力，人类最终仍需要回到精神体验、情感连接和诗意生活之中，而这些恰恰离不开艺术。

蔡丽媛则提醒，艺术不能被完全工具化。如果只用流量、商业回报衡量艺术，最终得到的可能只是产品，而不是作品。真正有生命力的艺术，往往来自创作者真实的体验、感受和坚持，而一个好的生态，才可能孕育真正被时代记住的创造。

乔小刀则从商业实践角度提出了另一种视角。他用“现金流派”形容自己的方法：艺术需要理想，但理想也必须建立在现实基础之上。一个艺术项目要持续发展，不仅需要创意，也需要解决资金、运营、安全等现实问题。他认为，艺术最终要形成完整闭环，才能让创作者、参与者和城市真正受益。

对于如何让艺术从“一次活动”变成长期内容，嘉宾们认为，关键不在于制造更多节庆，而在于让艺术进入当地人的生活方式。文那提出，艺术本身也在不断变化，真正重要的是持续的审美需求；水晶则将艺术节比作播撒种子的过程，即使活动结束，留下的影响仍可能在城市中生长。

蔡丽媛总结，任何具有生命力的项目，都需要长期主义，需要建立自己的内容坐标。而乔小刀则用自己的艺术节实践证明：真正的创造，不只是提出想法，更是把所有环节逐一打通，让艺术、商业和城市形成共生。

这场对话最终回到一个共同命题：艺术不是文旅的附属品，也不是简单的流量工具，而是一种连接人与地方、过去与未来的力量。

当代艺术进入文旅，并不是简单增加几件作品、举办几场展览，而是在重新寻找人与空间之间的关系。

这场对话中的每一位分享者，都在用自己的方式回答同一个问题：艺术如何从一次性的事件，变成城市持续发生的生命力。

有人强调现实与商业，有人坚持创作与精神；有人在荒野中寻找故事，有人在社区里连接普通人。但最终他们指向的是同一个方向——好的文旅，不只是提供一个抵达的地点，更应该创造一种值得停留的体验。

未来的城市竞争，也许不再只是比谁拥有更多资源，而是谁能创造更多人与地方之间真实、长久的连接。

而艺术，正是在这种连接中，

成为城市最难被复制的气质。