lundi 13 Juiliet à partir de 18h30

«CHAMP DE SYMBIOSE»

展览时间 | Durée de l'exposition

2026 年 7 月 13 日 至 2026 年 7 月 18 日

Exposition collective du 13 au 18 Juiliet 2026

开幕酒会 | Vernissage

7 月 13 日（星期一）18 点 30 分开始

lundi 13 Juiliet à partir de 18h30

« Dérive »

140 × 20 cm

panneau de bois

2006

《共生场》——东方文脉与当代精神的巴黎对话

Vanities画廊荣幸呈现群展《共生场》。本次展览汇聚五位中国当代艺术的重要创作者。他们路径各异、语言不同，却在同一精神维度上展开对话：以各自扎根的文化经验，回应当代处境，并在巴黎这一跨文化语境中，重新思考人与传统、自然与世界之间的关系。

展览以“共生”为线索展开。它并非抽象命题，而是在不同创作实践中被具体展开——材料、土地、哲思、工艺与文字，成为五种彼此独立又相互关联的路径。艺术家们通过各自的方式，使东方经验在当代语境中获得新的表达，并与世界形成开放而平等的交流。

在巴黎这一长期承载现代主义传统与跨文化碰撞的城市中，这些创作并未试图以“东方性”作为被观看的对象，而是以自身独立的方法论进入当代艺术讨论。它们既不依赖符号化的文化想象，也不回避自身所携带的历史经验，而是在不断变化的全球语境中，重新建立人与材料、人与自然、人与时间之间的关系。

“共生”因此不再只是文化意义上的共存，而是一种持续生成的动态结构：不同经验之间彼此作用、相互渗透，并在差异之中形成新的感知空间。

Rêve bleu

120 × 100 cm

huile sur toile

2026

Zhang Yue

CHAMP DE SYMBIOSE

Dialogue parisien entre héritage culturel oriental et esprit contemporain

La galerie Vanities a le plaisir de présenter l’exposition collective « Champ de Symbiose », réunissant cinq figures majeures de la création contemporaine chinoise. Bien que leurs démarches et leurs langages artistiques diffèrent profondément, leurs œuvres se rejoignent dans une même interrogation : comment, à partir d’expériences culturelles singulières, répondre aux enjeux du présent et repenser, dans le contexte interculturel de Paris, les relations entre l’être humain, la tradition, la nature et le monde.

L’exposition se déploie autour de la notion de symbiose. Celle-ci ne constitue pas un concept abstrait, mais une réalité concrètement explorée à travers des pratiques artistiques diverses. Matière, territoire, pensée philosophique, savoir-faire artisanal et écriture deviennent autant de voies autonomes mais interdépendantes. Chacun des artistes renouvelle l’expression de son héritage culturel dans un langage contemporain, tout en ouvrant un dialogue libre et égalitaire avec le monde.

Dans une ville comme Paris, longtemps porteuse de la tradition moderniste et des échanges transculturels, ces œuvres ne cherchent pas à se présenter comme une « orientalité » destinée au regard de l’autre. Elles s’inscrivent au contraire dans le débat contemporain par leurs propres méthodologies et leurs propres systèmes de pensée. Refusant aussi bien les stéréotypes culturels que l’effacement de leur mémoire historique, elles réinventent les liens entre l’homme et la matière, l’homme et la nature, l’homme et le temps, au sein d’un contexte mondial en constante mutation.

La symbiose cesse alors d’être une simple coexistence culturelle pour devenir une structure dynamique en perpétuelle transformation : les expériences s’influencent, se pénètrent mutuellement et génèrent, à travers leurs différences mêmes, de nouveaux espaces de perception.

« Sons brahmaniques » – Série

73,5 × 92 cm

encre sur panneau de bois

2006

Luo Xiangke

罗湘科——刻痕、力量与空间的生成

罗湘科的创作并不止于版画语言的拓展。对他而言，“刻”本身就是一种关于时间、力量与空间的生成过程。刀痕不仅制造图像，也直接参与空间结构的建立。作品因此不再停留于平面的视觉呈现，而更接近一种由痕迹构成的能量场。

在《风的形状》系列中，木板表面的刻痕形成复杂而持续流动的结构：密集的横向线条像风压掠过水面后留下的波纹，尖锐而重复的刀刻则形成内部张力，局部的留白与断裂又不断打破整体节奏，使画面始终保持一种不稳定的运动状态。

这些结构并不直接描绘“风”的具体形态，而更像不可见力量在空间中的痕迹。风、水流、地貌、气压、时间——这些无法被直接观看的存在，被转化为一种可感知的视觉秩序。作品因此并不是图像意义上的抽象，而是一种关于能量运行方式的空间呈现。

与传统版画强调图像复制不同，罗湘科真正关注的是“刻”的过程本身。木板在反复雕刻中逐渐发生变化，刀痕不断进入材料内部，留下无法逆转的痕迹。每一道刻痕既是破坏，也是生成；既意味着材料的消耗，也意味着新的空间关系被打开。

这种创作方式，使他的作品同时具有绘画、雕塑与地形结构般的特征。画面中的线条并非简单轮廓，而更像地貌断层、河流走向或风力轨迹。空间不再依赖透视建立，而是在密度、方向与节奏的不断变化中被“刻”出来。

罗湘科作品中最重要的部分，其实是一种隐藏于内部的“力”。无论是线条之间的推进与挤压，还是黑白关系中的停顿与聚集，都使画面保持高度压缩的能量状态。表面上的克制与安静之下，始终存在持续运动的内部张力。

这种对于“力”的感知，与东方传统中关于自然运行的理解存在深层联系。作品并不强调事件性的叙事，而更关注事物在变化过程中留下的痕迹与结构。时间因此不再作为外部概念出现，而直接沉积于材料与刀痕之中。

在今天越来越趋向即时消费的视觉文化里，罗湘科的创作提供了一种完全不同的观看经验。它拒绝快速图像的表面刺激，而要求观者进入一种缓慢的凝视之中。那些密集而细微的刻痕，不断将观看引向更深层的时间结构与空间感知。

因此，罗湘科真正所建构的，并不是某种抽象图像，而是一种由刻痕、力量与时间共同形成的精神空间。

« La Forme du vent » – n° 2

25 × 32 cm

encre sur panneau de bois

2023

Luo Xiangke

Luo Xiangke

Trace, force et genèse de l’espace

L’œuvre de Luo Xiangke dépasse largement les frontières traditionnelles de la gravure. Pour lui, l’acte de graver constitue en lui-même un processus de formation du temps, de la force et de l’espace. Les incisions ne produisent pas seulement des images ; elles participent directement à la construction de l’espace. Ainsi, l’œuvre ne se limite plus à une surface visuelle, mais devient un véritable champ d’énergie constitué de traces.

Dans la série La Forme du vent, les entailles gravées sur le bois composent une structure complexe en perpétuel mouvement. Les lignes horizontales denses évoquent les ondulations laissées à la surface de l’eau par la pression du vent ; les incisions répétées créent une tension interne, tandis que les ruptures et les réserves viennent constamment perturber le rythme général de la composition.

Ces structures ne représentent pas le vent de manière deive ; elles donnent plutôt forme aux traces invisibles des forces qui traversent l’espace. Vent, courant, relief, pression atmosphérique, temps : autant de phénomènes imperceptibles directement, mais transformés ici en un ordre visuel sensible. L’abstraction de Luo Xiangke n’est donc pas celle de l’image, mais celle des mécanismes mêmes de l’énergie.

Contrairement à la tradition de la gravure centrée sur la reproduction de l’image, son attention se porte avant tout sur le geste de la taille. Le bois se transforme progressivement sous l’action répétée de l’outil ; chaque incision pénètre la matière et laisse une marque irréversible. Chaque trace est à la fois destruction et création, perte de matière et ouverture d’un nouvel espace.

Ses œuvres acquièrent ainsi une dimension à la fois picturale, sculpturale et topographique. Les lignes y fonctionnent comme des failles géologiques, des cours d’eau ou des trajectoires de forces naturelles. L’espace n’est plus construit par la perspective mais gravé dans les variations de densité, de direction et de rythme.

Au cœur de son travail réside une force invisible. Les tensions entre les lignes, les compressions et les expansions du noir et du blanc maintiennent la surface dans un état d’énergie condensée. Sous une apparente retenue demeure toujours un mouvement intérieur latent.

Cette attention portée à la force entretient une profonde affinité avec certaines conceptions orientales de la nature. Plus que le récit d’événements, l’artiste s’intéresse aux structures et aux traces laissées par les processus de transformation. Le temps cesse alors d’être un concept extérieur pour se déposer directement dans la matière et dans la gravure elle-même.

À l’heure d’une culture visuelle dominée par l’instantanéité, Luo Xiangke propose une expérience du regard fondée sur la lenteur. Ses réseaux d’incisions invitent le spectateur à pénétrer des dimensions plus profondes du temps et de l’espace.

Symphonie rurale

120 × 100 cm

huile sur toile

2022

Zhang Yue

张越——在生长之中：感知与生态的重建

张越长期生活与工作于滇西地区。湿润的空气、繁密的植被、缓慢变化的光线与季节，共同构成了他创作经验的重要来源。然而，他的绘画并不属于传统意义上的风景再现。自然在他的作品中，并非被观看的对象，而是一种持续包围身体、渗透感知的存在状态。

在《草丛里的交响乐》中，画面几乎取消了传统风景绘画中的空间秩序。没有明确的远近关系，也不存在稳定的观看中心。植物、叶片、枝干与色点彼此交织、覆盖、穿透，使整个画面形成一种不断蔓延的视觉生态系统。观者的目光无法停留于某一个固定位置，而是在繁复的结构中不断移动、游走，仿佛进入一片正在呼吸与生长的空间内部。

这种“无中心”的结构十分重要。它意味着张越所关注的，并不是自然作为图像的外部形态，而是生命之间持续发生的关联状态。叶片之间的遮挡、色彩之间的渗透、线条之间的交错，共同构成一种流动性的秩序。自然在这里不再是静止景观，而更接近一种动态生成的过程。

作品中的色点尤其具有特殊意义。那些密集而细微的红、黄、黑色颗粒，并不仅仅作为装饰性的笔触存在。它们更像潮湿空气中的花粉、土壤中的微生物、植被间漂浮的湿气与能量，使画面内部形成一种近乎有机的振动感。绘画因此不再只是对视觉经验的记录，而逐渐成为一种关于生态感知的重建。

张越的作品始终保持一种介于具象与抽象之间的开放状态。植物形态虽然仍然存在，却不断趋向松动与漂浮。空间不再依赖透视建立，而是在色彩、密度与节奏之间缓慢生成。这种处理方式，使他的绘画既脱离了传统山水的再现逻辑，也不同于西方现代主义风景中的形式分析，而更接近一种关于“环境感知”的绘画实践。

在今天高度城市化与数字化的视觉环境中，人们越来越习惯于快速观看与信息式感知，身体与自然之间原本细微而持续的联系也逐渐减弱。而张越则通过绘画重新恢复了一种缓慢的感知能力。他让观看重新回到身体，使观者重新意识到：自然并非存在于人之外的对象，而是一种人与世界彼此渗透的关系结构。

因此，张越真正重要的，并不是他描绘了某种地域性景观，而是他通过绘画重新打开了一种关于“生长”的感知方式。在他的作品中，生命不是被定义的，而是始终处于生成之中。

Rythme du printemps

120 × 100 cm

huile sur toile

2026

Zhang Yue

Zhang Yue

Croître : reconstruire la perception et l’écologie

Installé depuis de nombreuses années dans l’ouest du Yunnan, Zhang Yue puise son inspiration dans un environnement marqué par l’humidité, l’abondance végétale, les variations lentes de la lumière et des saisons. Pourtant, sa peinture ne relève pas de la représentation paysagère au sens classique. La nature n’y apparaît pas comme un objet observé, mais comme une présence immersive qui enveloppe le corps et traverse la perception.

Dans Symphonie dans les herbes, l’ordre spatial traditionnel du paysage disparaît presque entièrement. Aucun point de vue stable, aucune hiérarchie visuelle ne subsistent. Feuillages, tiges, branches et particules colorées s’entrelacent pour former un écosystème visuel en expansion permanente.

Cette absence de centre est essentielle. Elle révèle que l’artiste ne s’intéresse pas à la nature comme image, mais aux relations vivantes qui se tissent entre les formes. Les superpositions, les infiltrations chromatiques et les croisements de lignes instaurent un ordre fluide où la nature devient un processus de génération continue.

Les points colorés qui ponctuent la surface occupent une place particulière. Rouges, jaunes ou noirs, ils évoquent le pollen suspendu dans l’air humide, les micro-organismes du sol ou encore les flux invisibles d’énergie qui traversent les écosystèmes. La peinture cesse alors d’être un simple enregistrement du visible pour devenir une reconstruction sensible de la perception écologique.

Oscillant constamment entre figuration et abstraction, les formes végétales demeurent reconnaissables tout en semblant flotter et se dissoudre. L’espace ne repose plus sur la perspective mais se construit lentement à travers les rythmes, les densités et les couleurs.

Dans un monde de plus en plus urbanisé et numérisé, où la perception est souvent réduite à la vitesse et à l’information, Zhang Yue réhabilite une attention lente. Son œuvre rappelle que la nature n’existe pas en dehors de l’homme : elle constitue une structure relationnelle dans laquelle l’humain et le monde se pénètrent mutuellement.

Ce qui importe finalement chez Zhang Yue n’est pas la représentation d’un paysage particulier, mais l’ouverture d’une nouvelle manière de percevoir la croissance. Dans son univers, la vie n’est jamais définie ; elle demeure toujours en devenir.

« L’Axe du silence » – Série n° 6

22,5 × 30 cm

stylo à bille sur papier

2025

Huang Lingyun

黄凌云——抽象结构中的东方空间观

黄凌云的创作建立在长期的文化研究与结构思考之上，他并不直接使用传统文化符号，而是从中国古代哲学中的关系观念、空间意识与秩序结构中获得启发，并将其转化为当代抽象绘画的语言。以《沉默的轴线》系列创作实践为例，他以极简的几何秩序与克制的手工肌理为载体，将东方哲学中的虚实、平衡与轴线秩序，内化为画面隐秘的精神逻辑。

他的作品去除了明确的叙事与具象形象，转而通过比例、节奏、留白与空间关系构建内部秩序。在这些看似理性的结构之中，始终存在一种微妙的流动性：边界并不完全封闭，空间彼此渗透，形态之间保持持续变化的张力。《沉默的轴线》系列里，规整重复的排线、克制精准的色块布局，恰是这种创作逻辑的直观呈现，在静态的画面框架里，暗藏着持续拉扯的空间张力。

与许多强调个人情绪表达的抽象绘画不同，黄凌云更关注“关系”本身。他的画面并非主体意志的直接投射，而更接近一种生成中的结构系统。空间在他的作品中不是被填满的，而是在不断的平衡与转换中被建立起来。

这种空间意识与中国传统哲学中的“虚实关系”存在某种深层关联。这里的“空”并非缺失，而是一种能够使关系流动起来的开放结构。形与形之间的距离、色彩之间的呼吸、节奏中的停顿，共同构成了作品内部的精神秩序。

黄凌云的抽象因此并非形式风格的选择，而是一种关于感知与思想的结构实践。他试图回答的问题并不是“如何绘画”，而是：在当代语境中，是否仍然存在一种能够承载东方空间观与关系意识的视觉语言。

在全球抽象艺术逐渐趋于形式化与风格化的今天，他的创作重新把抽象带回一种思想性的维度之中。

« Neuf Étoiles figées » – Série · Palais Kun

Position Fuwei 003

25 × 25 cm

stylo à bille sur papier

2025

Huang Lingyun

Huang Lingyun

Une conception orientale de l’espace à travers l’abstraction

Le travail de Huang Lingyun s’appuie sur une réflexion approfondie autour des structures culturelles et philosophiques. Plutôt que d’utiliser directement les symboles de la tradition, il puise dans la pensée chinoise ancienne ses conceptions de la relation, de l’espace et de l’ordre pour les transposer dans le langage de l’abstraction contemporaine.

La série L’Axe du silence en constitue un exemple emblématique. À travers une géométrie minimale et des textures discrètement élaborées à la main, l’artiste intériorise les notions orientales de vide et de plein, d’équilibre et d’axe, qui deviennent la logique invisible de la composition.

Ses œuvres renoncent à toute narration explicite et à toute figuration identifiable. Elles construisent un ordre interne fondé sur les proportions, les rythmes, les réserves et les relations spatiales. Sous leur apparente rigueur se manifeste pourtant une mobilité subtile : les frontières restent poreuses, les espaces communiquent, les formes demeurent en tension.

Contrairement à de nombreuses formes d’abstraction centrées sur l’expression subjective, Huang Lingyun s’intéresse avant tout à la notion de relation. L’œuvre n’est pas la projection d’une intériorité mais l’émergence progressive d’un système structurel.

Cette approche entretient une proximité profonde avec la pensée traditionnelle chinoise du vide. Ici, le vide n’est pas absence mais ouverture ; il permet aux relations de circuler. Les distances, les respirations chromatiques et les suspensions rythmiques construisent ainsi une véritable architecture spirituelle.

Son abstraction n’est donc pas un choix stylistique, mais une pratique de la pensée et de la perception. À travers elle, l’artiste pose une question essentielle : existe-t-il encore aujourd’hui un langage visuel capable de porter une conception orientale de l’espace au sein du monde contemporain ?

Face à une abstraction internationale souvent réduite à ses effets formels, Huang Lingyun réintroduit une dimension intellectuelle et philosophique au cœur du geste abstrait.

Apocalypse

30 x 50 cm

technique mixte

(laque japonaise, Panneau de bois, Coquille d’œuf)

2025

Zhou Zhitao

周志涛——材料、手工与时间的沉积

周志涛的创作以漆艺为基础，却并不局限于传统工艺本身。他将漆、木板、蛋壳等材料引入当代艺术语境，通过反复堆叠、打磨、覆盖与嵌合，使时间过程直接进入作品内部。他运用综合材料技法，将传统漆艺媒介转化为承载当代精神思考的载体。

在他的实践中，材料并不是被动媒介，而是一种能够记录时间的存在。《启示录》系列中，漆层的覆盖、表面的磨损、蛋壳碎裂拼接形成的斑驳肌理，都完整保留着创作过程里身体劳动留下的痕迹。作品因此不再只是最终结果，而更像一个持续累积、沉淀的时间过程。

这种强调手工劳动的创作方式，在今天显得尤为重要。当代视觉文化越来越依赖数字技术与即时生产，观看也逐渐趋于快速与表面化。而周志涛的作品则始终保持一种缓慢而沉静的时间节奏。每一道工序都需要长时间等待，每一次打磨都意味着新的层次出现。时间不再是外部条件，而成为作品内部真正的结构。

他的作品并不依赖叙事性图像，却通过材料本身传递经验：坚硬与脆弱、光泽与破损、生成与消耗始终同时存在。《启示录》系列以蛋壳镶嵌形成的龟裂肌理，暗喻破碎、消逝与重生的循环，极简的形式之下，隐藏着极其复杂的内部结构。观者面对这些作品时，会逐渐意识到：真正被观看的，并不仅仅是表面，而是材料在时间之中所经历的一切。

Apocalypse

30 x 40 cm

technique mixte

(laque japonaise, Panneau de bois, Coquille d’œuf)

2025

Zhou Zhitao

Zhou Zhitao

Matière, artisanat et sédimentation du temps

La pratique de Zhou Zhitao prend racine dans l’art de la laque, tout en dépassant largement le cadre de la tradition artisanale. En intégrant la laque, le bois, la coquille d’œuf et d’autres matériaux dans le champ de l’art contemporain, il transforme le temps lui-même en composant de l’œuvre.

Accumulation, ponçage, recouvrement et incrustation deviennent autant d’opérations par lesquelles la temporalité s’inscrit physiquement dans la matière.

Dans la série Apocalypse, les couches successives de laque, les surfaces usées et les fragments de coquilles assemblés conservent les traces du travail manuel. L’œuvre ne se présente plus comme un résultat final, mais comme un processus continu d’accumulation et de sédimentation.

Cette valorisation du travail artisanal revêt aujourd’hui une importance particulière. À l’ère de la production numérique et de l’immédiateté visuelle, Zhou Zhitao revendique une temporalité lente et méditative. Chaque étape nécessite l’attente ; chaque polissage révèle une nouvelle profondeur. Le temps devient alors une structure interne de l’œuvre.

Sans recourir à la narration, ses matériaux transmettent des expériences fondamentales : fragilité et résistance, éclat et altération, naissance et disparition coexistent constamment. Les réseaux de fissures formés par les incrustations de coquilles d’œuf dans Apocalypse évoquent les cycles de destruction, de disparition et de renaissance.

Son travail ne constitue pas une simple réactivation de l’artisanat traditionnel. Il réinterroge au contraire, dans le contexte contemporain, la signification même du geste manuel, réintroduisant le travail, la durée et la matérialité dans les réflexions actuelles sur l’existence et l’expérience.

Série « Origine · Êtres vivants » n° 1

40 × 50 cm

Acrylique sur toile

2024

Tang Qishan

唐岐山——文字、图像与符号的再生成

唐岐山的创作建立在对古代书写系统与远古图腾纹样的长期研究之上。他从甲骨文、上古图腾、自然生灵意象之中提取结构元素，并通过重组、简化与转译，使其进入一种新的视觉秩序之中。他将先民文明里的生命符号、自然图腾与文字雏形，拆解重构为当代语境下的视觉语言。

在他的作品里，文字不再只是语言工具，而逐渐回到“形”的原生状态。符号脱离原有的语义系统后，开始以纯粹视觉结构的方式存在。线条的节奏、形态之间的呼应、空间中的停顿，共同构成一种介于阅读与观看之间的经验。《源起·生灵系列》中交织缠绕的生灵形态、太阳、眼纹与几何图腾，正是这种创作逻辑的直观呈现，先民对自然与生命的原始感知，在繁复的纹样交织中重新获得生命力。

这种转化并不是对传统文字的简单再现，而更像一种重新生成。甲骨文、上古图腾在这里不再作为历史文本被阅读，而成为一种仍然具有生命力的视觉能量。观者面对这些作品时，往往会产生一种熟悉而陌生的感受：它似乎携带着某种古老记忆，却又无法被直接翻译。

唐岐山真正关注的，并不是文字内容本身，而是书写发生之前的那个阶段——语言尚未完全固定、符号仍与自然形态彼此连接的时刻。因此，他的创作始终保持某种开放性：它既像文字，又像图像；既接近书写，又不断脱离阅读。

这种游移状态，使他的作品进入一种更广阔的当代讨论之中。在全球视觉文化高度图像化的今天，文字与图像之间的边界正在不断被重新定义。而唐岐山则通过对古老书写系统与生命图腾的重新激活，提出另一种可能：文字不仅能够传递意义，也能够重新成为感知世界的方式。

Série « Origine · Êtres vivants » n° 6

40 × 50 cm

Acrylique sur toile

2024

Tang Qishan

Tang Qishan

Écriture, image et régénération du symbole

L’œuvre de Tang Qishan repose sur une recherche approfondie consacrée aux systèmes d’écriture anciens et aux motifs totémiques archaïques. À partir des inions oraculaires, des symboles ancestraux et des formes issues du vivant, il extrait des éléments structurels qu’il simplifie, réorganise et transpose dans un nouvel ordre visuel.

Dans son travail, l’écriture cesse d’être un simple véhicule du langage pour retrouver sa dimension originelle de forme. Détachés de leur fonction sémantique, les signes deviennent des structures visuelles autonomes.

Le rythme des lignes, les correspondances formelles et les silences de l’espace construisent une expérience située entre lecture et contemplation. Dans la série Origines – Les êtres vivants, les figures animales entrelacées, les motifs solaires, les yeux stylisés et les symboles géométriques donnent une nouvelle vitalité aux perceptions ancestrales du monde naturel.

Cette transformation n’est pas une simple reproduction du passé. Les caractères archaïques et les totems deviennent ici des énergies visuelles toujours actives. Face à ces œuvres, le spectateur éprouve souvent une étrange familiarité : quelque chose semble provenir d’une mémoire ancienne, tout en demeurant impossible à traduire pleinement.

Ce qui intéresse véritablement Tang Qishan n’est pas le contenu du langage, mais l’instant qui précède sa fixation : ce moment où les signes restent encore liés aux formes naturelles. Son travail demeure ainsi ouvert, oscillant entre écriture et image, entre lecture et perception.

Dans un contexte où les frontières entre texte et image se redéfinissent sans cesse, il propose une autre possibilité : celle d’une écriture capable non seulement de transmettre du sens, mais aussi de redevenir une manière de percevoir le monde.

Série « Origine · Êtres vivants » n° 5

40 × 50 cm

Acrylique sur toile

2024

Tang Qishan

共生的多重路径

《共生场》并非试图给出统一答案，而是呈现五种并行展开的实践：

有人以刀痕叩问时间与空间，在刻制中生成精神能量；

有人扎根土地生态，在生长中重建人与世界的感知联结；

有人以理性结构为舟，在抽象秩序里重塑东方空间哲思；

有人沉潜于材料肌理，以手工劳作留存时间的沉积；

有人溯源远古符号，在文字与图像的边界间完成传统的再生。

五条路径各自独立，却在深层精神维度彼此呼应、相互滋养，共同诠释着“共生”的核心内核：传统与当代的共生，个体经验与文明脉络的共生，东方智慧与全球语境的共生。

当这五种扎根东方文脉的创作实践，在巴黎这一跨文化场域相遇，便形成了一场平等、开放且深刻的艺术对话。它打破了东西方艺术的固有壁垒，也跳出了单一文化的叙事闭环，在差异、碰撞与融合之中，构筑起全新的感知场域。

在全球化语境下，《共生场》所呈现的，不仅是五位艺术家的创作面貌，更是中国当代艺术一种全新的文化姿态：不迎合、不标榜、不依附，以独立的创作本体为根基，以深厚的东方文脉为底色，以开放的当代视野为延伸，在世界艺术舞台上，发出属于自身的、沉静而坚定的声音。

共生，从来不是单向的依附，而是彼此成就；不是同质的趋同，而是和而不同的生长。而这，正是本次展览想要传递给世界的，最珍贵的精神内核。

Apocalypse

30 x 40 cm

technique mixte

(laque japonaise, Panneau de bois, Coquille d’œuf)

2025

Zhou Zhitao

Les multiples chemins de la symbiose

« Champ de Symbiose » ne cherche pas à formuler une réponse unique, mais à présenter cinq trajectoires parallèles :

l’une interroge le temps et l’espace à travers la gravure ;

l’une reconstruit le lien entre l’homme et son environnement par l’expérience du vivant ;

l’une réinvente une pensée orientale de l’espace au sein de l’abstraction ;

l’une inscrit le temps dans la matière par le travail artisanal ;

l’une régénère les héritages symboliques à travers les frontières mouvantes de l’écriture et de l’image.

Autonomes mais profondément résonantes, ces démarches incarnent ensemble le cœur de la symbiose : celle entre tradition et contemporanéité, entre expérience individuelle et mémoire civilisationnelle, entre pensée orientale et horizon mondial.

Réunies à Paris, elles donnent naissance à un dialogue artistique libre, ouvert et profond. Elles dépassent les oppositions traditionnelles entre Orient et Occident ainsi que les limites des récits culturels univoques, pour construire un nouveau champ de perception fondé sur la différence, la rencontre et la transformation.