第54届香港艺术节观剧印象：在世界的十字路口，与剧场相遇_科技资讯

第54届香港艺术节观剧印象：在世界的十字路口，与剧场相遇

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2026-04-07 01:02:39

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三月，是香港的艺术之月。有幸深度浸润于第54届香港艺术节的戏剧板块，所观摩的十台作品，恰如一个精心策划的学术切片，清晰地呈现了当今全球剧场艺术的多元探索与核心关切。

从内容看，它们构成了一场跨越时空的深度对话。既有对索福克勒斯（《安蒂冈妮》）、普希金（《尤金·奥涅金》）、莎士比亚（《决斗》）乃至布莱希特（《诗人之死》）等西方经典的当代重塑，亦有对东方历史（《都是龙袍惹的祸》）与民间故事（《埋火》）的诗性挖掘。

从艺术形态上看，这是一次边界消融的集中展示：舞蹈剧场、芭蕾舞剧、歌剧、话剧、现代舞、马戏、独角戏……传统体裁的定义被不断挑战与拓展。挪威的《安蒂冈妮》以身体为文本，德国的《卡拉瓦乔》让芭蕾与绘画共舞，加拿大的《决斗》用杂技演绎莎翁悲剧，而爱尔兰与中国合制的《诗人之死》则将舞台与数字影像深度互文。

更深层次地，这些作品不约而同地指向了对“人”的本体关照：比利时的《布雷尔》凝视着时间与衰老的身体，奥地利的《破障主意》与日本的《埋火》则分别从残障与视障的独特视角，探讨了身体的潜能、尊严与社会共融的可能。

这十台来自世界各地的作品，早已超越了单纯的演出本身。如十面棱镜，不仅折射出我们身处时代的各自独特的艺术光芒，更是共同指向了我们这个时代关于历史的回响、边界的消融，以及对生命本体最深切凝视的文化脉动。

古典的回响：在解构与重塑中，探寻当代表达

经典，为何能穿越时空，至今仍与我们对话？本届香港艺术节的多部作品，给出了掷地有声的回答。它们并非简单复刻，而是在尊重原著精神内核的基础上，以极具当代性的视听语言和观念进行解构与重塑。

《安蒂冈妮》开场前

挪威冬季旅人舞团的舞蹈剧场《安蒂冈妮》，无疑是其中的翘楚。索福克勒斯的悲剧早已耳熟能详，但安伦·陆甘安·奥仁的这一版，却带来了全新的震撼。舞台上七块L型的木质墙体，既是底比斯城的“七个城门”，也是切割光影、围困人性的叙事容器。演出聚焦于安提戈涅的“女性特质”及其反叛，将其置于当下外交失灵、冲突延续的全球语境中，古老的“天条”与“人法”之争，瞬间与我们产生了强烈的勾连。在这里，舞蹈不再是点缀，而是文本本身。九位舞者以高超的肢体技术，将内心的冲盈与挣扎外化为诗一般的哲学思辨，令人叹为观止。

如果说《安蒂冈妮》是对经典的先锋解构，那么捷克布尔诺国家歌剧院的《尤金·奥涅金》则是一次华丽而真诚的致敬。当柴可夫斯基那充满诗意的旋律响彻剧院，百人大团的精良制作瞬间将我们拉回19世纪的俄国乡野。这是一次教科书级的呈现，从演唱到演奏，功力深厚，一丝不苟，彰显了欧洲老牌剧院的底蕴。在实验戏剧大行其道的今天，这样一部忠于原作、制作严谨的经典歌剧，反而如同一股清流，提醒我们“守正”同样是一种强大的力量。

《决斗》谢幕

同样是对经典的挪用，加拿大魁巴克七指杂技团的《决斗》则显得轻盈而巧妙。莎翁笔下罗密欧与朱丽叶的世仇，被转化为红蓝两队的竞技场对决。扯铃、高空绸缎等杂技技巧，成了家族对抗与爱人缱绻的语汇。这不仅是前太阳马戏团成员对“杂技叙事”的纯熟运用，其“一爱泯恩仇”的圆满结局，更像一则写给当代观众的都市童话，充满了治愈的力量。

而在本土创作中，香港话剧团的《都是龙袍惹的祸》堪称惊艳。丁宝桢斩安德海的清宫旧事，被编剧另辟蹊径，剥离了“忠奸对立”的脸谱化叙事，转而将所有人物置于“杀与赦”的规定情境中，深刻挖掘了每个人在权力、法度与人情缠斗下，复杂而深刻的人性困境。导演对中国传统戏曲手法的吸收与活用 —— 韵白式的台词、身段化的形体、以锣鼓场强化音效—— 让这部话剧充满了东方美学的诗性与张力，抵达了超越故事本身的哲学高度。

《都是龙袍惹的祸》剧照图源香港话剧团

边界的消融：在跨界与融合中，拓展艺术想象

本届香港艺术节最令人兴奋的趋势之一，便是表演艺术边界的不断消融。音乐、影像、舞蹈、绘画、科技……不同艺术门类之间的壁垒被打破，相互渗透，共同构成了一种全新的、整体性的感官与心灵体验。

罗伯托·波雷主演的《卡拉瓦乔》便是一场绘画与芭蕾的极致共鸣。舞台灯光精准地模拟了卡拉瓦乔画作中标志性的明暗对照法，舞者的身体则在光影中重塑了《捧果篮的男孩》、《微醺的酒神》等一幅幅经典造型。静止的画布在舞台上“活色生香”，芭蕾的动态之美赋予了画作戏剧张力，而绘画的构图与光影则为舞蹈注入了灵魂。这不仅是一部舞剧，更像是一座流动的卡拉瓦乔美术馆。

《卡拉瓦乔》剧照 ©️Dennis Cursio

爱尔兰正点剧团与北京当代话剧团联合制作的《诗人之死》，则将戏剧舞台与数字媒介进行了深度互文。舞台被分割为上下两部分，下层是如同“绿幕”的蓝色盒子，上演着布莱希特笔下离经叛道的诗人巴尔在当代社会的故事；上层银幕则实时投射着经由虚拟技术处理的影像。当巴尔被社会“删除”时，银幕上的他便化为一团马赛克。这种设计辛辣地讽喻了当今网络时代的“社会性死亡”。当剧终观众的影像也被投射到银幕上时，观演关系被打破，我们都成了这场审判的参与者，直面自身不敢触碰的人性黑暗。

《诗人之死》金世佳谢幕

即便是看似传统的马戏，也在寻求新的表达。台湾FOCASA马戏团的《几米男孩的100次勇敢》，巧妙地将几米绘本的温暖IP与云门舞集创办人林怀民的导演美学相结合，让杂技不再仅仅是炫技，而成为一种承载情感与故事的媒介。虽然技术本身或许并不新奇，但它成功地挑战了我们对“马戏”的刻板印象，扩展了表演艺术的想象边界。

身体的诗学：在动作与静默中，凝视生命本真

抛开宏大的叙事与华丽的舞美，最终能直抵人心的，往往是身体本身。本届香港艺术节有多部作品，以极为诚恳和诗意的方式，展现了身体作为最本真、最深刻的表达媒介，所能达到的哲学高度。

比利时罗萨丝舞蹈团的《布雷尔》，是一场献给时间、艺术与生命的哀悼仪式。舞台空旷，唯有一支麦克风矗立。迟暮的现代舞天后安·德丽莎·迪·姬尔斯美嘉，与青春的街舞新锐，在香颂歌神雅克·布雷尔的歌声与影像中，展开了一场跨越时空的对话。最令我震撼的一幕，是她褪去衣衫，赤裸的身体在如百叶窗般的光影下，坦然呈现着岁月的留痕 ——肩部的松垮，腰部的贅肉，下坠的一切。那不是衰败，而是一种从容的诗意，一种与时间和解的勇气。最后的几声狂吠，划破寂静，仿佛是对生命最原始的呐喊，令人几近泪目。

《布雷尔》开场前

同样聚焦于身体，奥地利残障艺术家米高·图林斯基的独角戏《破障主意》，则以一种睿智而幽默的方式，挑战着我们对“正常”与“障碍”的固有认知。作为“无限亮”国际共融艺术节的亮点，图林斯基驾着轮椅，以拼接火车轨道、迷离电音歌唱等一系列看似“不稳定”的动作，探讨着身体与环境的微妙关系。他的表演本身，就是一场宣言：身体的差异不应是束缚，而是一种独特的风景与节奏。他引领我们重新思考“共融”与“自由”，其意义早已超越了剧场。

日本庭剧团ペニノ的《雪山深处德川盲人女按摩师 —— 埋火》，则将这种对身体的极致体察推向了另一重境界。两位盲人演员的表演令人赞叹。在不使用扩音设备的中型剧场里，她们对空间的感知、对节奏的把握、与其他演员的配合，都精准得不着痕迹。她们用敏锐的触感和内心的火焰，讲述了一个关于复仇与疗愈的雪国故事，展现了女性在黑暗中寻找自主与释怀的决绝力量。这出戏的舞美极其讲究，炉膛的真火、窗外的柴烟，每一个细节都真实而精致，共同营造出一种沉浸式的、极具日本美学的剧场氛围。